2016台北雙年展-繪畫本質問題作品

這次雙年展來來去去，有幾個作品始終讓我覺得很奇怪，怪的不是為什麼他們會有這類的作品，而是為什麼在同一個雙年展當中，會有四個討論繪畫本質這樣同樣問題的藝術作品，這四個作品分屬兩個作者，列如下

<克斯費爾德>萊茵哈德．慕夏 Reinhard MUCHA

<無題>洪藝真

<無題>洪藝真

<無題>洪藝真

我先簡單說明一下甚麼叫做繪畫本質問題，這是個長期盤據在藝術史上的問題，到底甚麼才是繪畫? 在照相機還沒發明的那個年代，當時認為繪畫的意義是重現，重現那些我們看到的事物，或是重現歷史重大事件的想像場景，一切的意義都在於重現。但攝影發明以後這個概念馬上就接受了挑戰，於是就有了我們所熟知的印象派作品去挑戰重現這個概念，在那之後的下一個挑戰就是如果攝影照片可以複製繪畫作品的時候，那原作的意義又在哪裡? 想一想如果繪畫的價值在於繪畫本身的時候，當我們使用攝影機械去複製繪畫，甚至在今天這個時代的GOOGLE上面有這麼多藝術作品的照片，有些畫質甚至比你用眼睛看還好的情況下，到底藝術品的價值在哪裡?

之後在本雅明的機械複製相關著作再次挑戰了這個思想，我們所購買的是物體還是概念的靈光?，而在那之後的羅斯科和普普藝術都是沿襲這條路走下來的，安迪沃荷的康寶濃湯每一幅都是不同的作品，他要問的事情是難道機器所做的康寶濃湯就是一樣的嗎? 畫布上面應該要有的東西是甚麼? 而畫布又是甚麼?

克斯費爾德是一個看起來浮在空中的作品，他利用了木材、玻璃等等材料做出了一個類似畫框的存在，而在作品的中央留下了一些空洞，這個空洞配合上光學原理，在玻璃的聯作下反射成一面鏡子，印出你我的樣貌在這個作品上面，配合中央以外的木框，似乎呈現了一個新的藝術作品，這個作品本身的靈光具有反射性，就像是關係藝術中所談論到的東西同樣，所有的藝術作品呈現的樣貌不過是觀者與藝術作品之間的連結，而克斯費爾德這個作品更不是以一個固定的靈光形式存在，而是以一面會反射的靈光來提問著繪畫藝術的本質為何

而洪藝真的三個作品也都用了很相似的方式來詢問，包含那個完全使用壓克力所造出的鏡面，連邊緣都是模糊的方式問出一樣的問題，粗糙面那個作品所問的是質地和觸感，左右兩個作品成對，問出邊緣和質地兩個相同繪畫本質的問題。而最後那個紅色不規則形狀的作品更是一個融合邊緣、形式、質地以及鏡面的大哉問。洪藝真的三個作品都是在2009年製作的，雖然彼此的呈現方式有 許差異，但是都固定圍繞著靈光與存在等問題，同時也都是不差的作品。

但問題就是為什麼同樣的一個展覽，需要用到四個藝術作品來討論相同的問題? 這次的展覽主題應該是當下檔案，展覽當中多數討論的問題也都是社會問題、共產主義或是後殖民問題，應該是希望能夠記錄下來當代能夠被我們所看到或是發現的現況，進而提出討論和思考，但不知道為什麼突然有幾項作品開始討論起繪畫本質，聽起來是否有一點奇怪? 問題不在於展品本身是否夠水準，而是說繪畫本質問題是一個長久以來都在討論的問題，而且從不退流行，但一個講求討論當下問題的展覽當中，是否還需要特別花這麼大的篇幅來談論，那就是另一個問題。

基本上會挑這個先來寫是因為這幾件作品是在展場當中特別突兀的作品，尤其在其他作品一下在討論南北韓問題、一下在討論南越北越問題還有在討論新自由主義的迫害時，突然有一個非常本質的復古問題出現時，總是會多看幾眼，然後思考著到底為什麼要如此的安排呢?